Barocul ramane unul dintre cele mai populare si recunoscute stiluri din toate timpurile. Miscarea artistica a aparut in anii 1600 dupa ce stilul renascentist si manierismul au demodat. Arta Renasterii, inspirata de antichitate, s-a bazat pe echilibru, armonie si compozitie simetrica stricta, in timp ce barocul reprezenta haosul si miscarea rapida. In picturile lor baroc, artistii au experimentat cu unghiuri neobisnuite si compozitii complexe, cu scopul de a capta atentia publicului.
1. Inaltimea picturii baroc: Moartea Fecioarei, Caravaggio
Opera intunecata si emotionanta a lui Caravaggio a provocat o dezbatere aprinsa si intensa la momentul crearii sale. Un avocat Laerzio Cherubini a comandat lucrarea pentru o biserica carmelita din Roma, dar a avut o schimbare de ultima ora. Desi pictura este vazuta acum ca o comoara de necontestat, comisarul a refuzat sa plateasca pentru ea, considerand ca reprezentarea Fecioarei Maria este scandaloasa si obscena. Multi credeau ca Caravaggio a platit o lucratoare sexuala sa stea la pictura, in timp ce altii s-au plans ca gleznele Fecioarei arata ca ale unui cadavru inecat.
Respingerea naturalismului lui Caravaggio avea si rationamentul sau teologic. Biserica Catolica crede ca Adormirea Maicii Domnului a avut loc fara ca ea sa moara, ceea ce inseamna ca s-a inaltat la Cer cu viata. Caravaggio a fost impotriva acestei credinte, pictand-o pe Maria moarta, inconjurata de apostolii indurerati. Mai mult, Caravaggio a dezbracat in mod deliberat scena de toate semnele sacritatii. Singurul element care indica statutul lui Mary era un halou subtire in jurul capului ei. Naturalismul, durerea si tristetea au functionat in conformitate cu ideea baroca de a evoca compasiune si raspuns emotional din partea privitorului. Cu toate acestea, oficialii bisericii l-au considerat excesiv.
2. Fata cu cercel de perle de Johannes Vermeer
Una dintre principalele capodopere ale barocului olandez, Fata cu cercel de perle a lui Vermeer a fost ignorata timp de aproape doua secole. A fost aproape distrus din cauza conditiilor proaste de depozitare. Vermeer a murit in saracie in 1675 si a fost redescoperit de colectionari si cunoscatori de arta abia in anii 1880. Desi fascinant si fascinant, Fata cu un cercel de perle a starnit multe suspiciuni, deoarece era atat de diferit din punct de vedere al compozitiei de restul operei lui Vermeer. Mai multi falsificatori de arta au produs Vermeers falsi pe baza acestei imagini, care au fost in curand identificati de expertii in arta. Unul dintre cele mai cunoscute exemple a fost pictura Fata zambitoare , pictata de un prieten al legendarului falsificator de arta Han van Meegeren.
De obicei, Vermeer a pictat scene domestice, in timp ce Fata cu un cercel de perle este un portret de prim-plan decupat in jumatate de profil, cu modelul aruncand o privire direct catre privitor. Unii experti Vermeer cred ca modelul era fiica lui Vermeer, Maria, in timp ce altii merg si mai departe, sugerand ca ea era cea din spatele panzei. Desi dovezile despre familia lui Vermeer sunt limitate, stim cu siguranta ca el a invatat-o pe Maria sa picteze. O versiune sugereaza ca cele mai experimentale picturi ale lui Johannes Vermeer au fost de fapt pictate de fiica sa.
3. Las Meninas de Diego Velazquez
Artistul baroc spaniol Diego Velazquez a devenit pictorul principal al Curtii Regale Spaniole. Pictura sa celebra Las Meninas a fost comandata de familia regala si a devenit rapid faimoasa in toata Europa pentru compozitia sa complexa si complicata.
Ramura spaniola a familiei Habsburg a fost atat de afectata de secole de consangvinizare, incat sa creasca un copil sanatos care sa poata trai suficient pentru a mosteni averea si puterea parintilor lor parea aproape imposibila.
Fata blonda pictata de Velazquez a fost infanta Margareta Tereza, al cincilea si singurul copil supravietuitor al reginei spaniole Mariana a Austriei si al unchiului ei, regele Filip al IV-lea. In ciuda faptului ca impartaseste trasaturile fetei habsburgice deformate, Margaret Theresa era destul de buna si reprezenta toate sperantele si visele familiei ei.
Parintii Infantei sunt si ei prezenti in pictura, dar nu sunt vizibili imediat. Regele si Regina stand unul langa altul sunt reflectati in oglinda din fundal. Astfel, telespectatorii se trezesc in locul regalitatii, care a facut parte din incercarea Habsburgilor de a-si democratiza imaginea. Velazquez s-a portretizat si pictand portretul lor.
4. Judith taindu-l pe Holofernes de Artemisia Gentileschi
Artemisia Gentileschi a fost un exemplu rar de artista femeie consacrata a timpului ei. In timp ce femeile bogate si privilegiate au jucat un rol important in comanda operelor de arta inca din Renastere, foarte putine au avut ocazia sa picteze. Opera lui Gentileschi este centrata pe femei si pe experientele lor, tratand adesea aspecte de violenta, furie si razbunare. Gentileschi a fost un supravietuitor al violului care a trebuit sa treaca printr-un proces lung si dezumanizant si chiar prin tortura pentru a-si condamna agresorul. Violatorul, de asemenea un artist pe nume Agostino Tassi, a fost gasit vinovat, dar in curand a fost eliberat din arest fara nicio explicatie.
Judith a fost o eroina patriotica populara pe vremea lui Gentileschi, reprezentand eroismul si disponibilitatea de a se sacrifica pentru siguranta celorlalti. Potrivit povestii din Vechiul Testament, ea era o vaduva evreica care a sedus un general asirian Holofernes si l-a ucis pentru a salva Ierusalimul de la invazie. Cu toate acestea, odata cu trecerea anilor, reprezentarea personajului s-a schimbat. La sfarsitul secolului al XIX-lea, imaginea lui Judith a prezentat o intorsatura neasteptata: in loc de un simbol al patriotismului feminin, ea a devenit o alta femeie fatala , o emblema a naturii feminine viclene si a setei de sange. O astfel de schimbare dramatica si-a putut avea radacinile in asemanarea superficiala a lui Judith si Salomeea, un alt personaj din Vechiul Testament care a ordonat decapitarea lui Ioan Botezatorul.
5. Magdalena pocaita de Georges de La Tour
Maestrul baroc francez Georges de La Tour a fost un adept al lui Carravagio, folosindu-si contrastul de lumina si umbra. Spre deosebire de Caravaggio, el a preferat formele simple si a repetat adesea acelasi subiect de mai multe ori, pana cand opera sa a atins starea perfecta, aproape minimalista.
Maria Magdalena a fost ucenicul lui Hristos care a renuntat la stilul ei de viata pacatos si si-a dedicat viata credintei. Contrar credintei populare, Biblia nu a descris-o niciodata ca pe o prostituata. Aceasta interpretare a aparut abia in secolul al VI-lea, cel mai probabil ca urmare a unei greseli facute de Papa Grigore I. In pocainta ei, Magdalena lui La Tour nu demonstreaza nicio emotie excesiva si supradramatica. Pocainta ei este un act personal, interior, al cuiva care regreta profund actiunile sale. In credinta ei, ea nu are nevoie sa-si condamne cu voce tare pacatele trecute. Obiectele din jurul ei pot fi interpretate ca referiri la picturile vanitas care erau populare la acea vreme. Craniul de pe poala Mariei reprezinta mortalitatea, in timp ce oglinda care reflecta lumina lumanarilor ne aminteste de vanitatea pamanteasca pe care ea o lasa in urma.
6. Hristosul mort plans de Annibale Carracci
Arta baroca nu a fost o inventie artistica brusca si revolutionara, ci un instrument de propaganda, aprobat si proiectat de biserica catolica. In timp ce miscarea Reformei protestante a luptat fara mila impotriva artei religioase, oficialii catolici au decis sa se apropie de adeptii lor. Arta trebuia sa fie identificabila si atragatoare, provocand un raspuns emotional. Conform invataturilor catolice ale vremii, adevarata credinta nu avea nimic de-a face cu ratiunea si logica si se baza doar pe emotie si sentiment. Arta baroca a oferit acest combustibil emotional.
Annibale Carracci a fost unul dintre pionierii barocului italian care a explorat gama emotionala a acestuia in cea mai mare masura. Tabloul sau The Dead Christ Mourned nu este o Pieta stoica si linistita , ci o scena zgomotoasa, dureroasa si sfasietoare de pierdere si durere. Fecioara Maria s-a prabusit inconstient in timp ce tinea trupul fiului ei in brate, in timp ce Maria Magdalena, Maria Cleophas si Maria Salomee se plang si plang in jurul lor. Potrivit Evangheliilor, Maria Cleofa si Maria Salomeea au fost femeile ucenice ale lui Isus prezente la rastignirea lui. Mai tarziu i-au descoperit mormantul gol.
7. Tabloul baroc secular: Lectia de anatomie a lui Rembrandt
In timp ce artistii baroc italieni si spanioli s-au concentrat pe scene religioase si mitologice, arta germana si olandeza s-a concentrat pe arta seculara, portrete si scene din viata de zi cu zi. Motivul a fost in mare parte protestantism, care era o religie dominanta in aceste zone. Deoarece Biserica a interzis venerarea imaginilor pictate, artistii au fost nevoiti sa caute noi subiecte, noi iconografii si noi patroni.
Rembrandt van Rijn a fost unul dintre cei mai celebri artisti ai barocului olandez, recunoscut pentru tratarea sa unica a luminii si umbrelor. Comisarii sai reprezentau adesea bresle sau organizatii cu mai multi membri, care au cerut sa fie reprezentati intr-un tablou de grup. Simtul remarcabil al compozitiei al lui Rembrandt i-a permis sa aranjeze mai multe figuri fara a compromite vizibilitatea cuiva. Ingrozitorul tablou Lectia de anatomie a doctorului Nicolaes Tulp a fost comandat de Guild of Surgeons din Amsterdam. Arhivele au pastrat numele fiecarei persoane din tablou, chiar si cel al unui om mort disecat de doctorul Tulp. Barbatul pe nume Aris Kindt era un infractor condamnat la moarte pentru talharie armata. Practica de a preda trupurile infractorilor decedati studentilor la medicina era populara si avea loc mai ales toamna si iarna pentru a evita degradarea rapida.
