Din punct de vedere istoric al artei, secolul al XX-lea poate fi impartit aproximativ in arta moderna si postmoderna. Practic, acestea sunt doua aspecte ale aceleiasi miscari. Atat modernismul, cat si postmodernismul au fost puternic influentate in spiritul lor de iluminism. Prin Iluminism, stiinta si ratiunea au triumfat asupra traditiei si credintei.
Mai mult, industrializarea in avans a adus cu sine o credinta neobosita in progres. Toate acestea au culminat in cele din urma cu Primul Razboi Mondial si Al Doilea Razboi Mondial, cele mai oribile si mai influente evenimente istorice din secolul al XX-lea. Ambele razboaie aveau sa schimbe complet viata sociala si, de asemenea, miscarea artistica.
1. Modernism si postmodernism: diferite perioade intr-un secol
Este intotdeauna oarecum dificil sa definesti intervalul de timp al epocilor de arta, precum si sa trasezi o linie exacta intre o epoca si alta. Cu toate acestea, se poate spune ca arta moderna a fost o arta care a fost creata pe la sfarsitul secolului al XIX-lea si pana la mijlocul secolului al XX-lea. Cam in acest moment, postmodernismul a inlocuit modernismul.
Tradus in opere de arta, modernismul poate fi gandit ca de la realismul lui Gustave Courbet la pictura de actiune a lui Jackson Pollock. Postmodernismul a aparut la mijlocul secolului al XX-lea, in jurul anului 1950, si a produs artisti precum Jean-Michel Basquiat.
2. Ambele includ multe forme de arta diferite
Arta moderna si arta postmoderna au multe in comun: ambele epoci nu pot fi reduse la o singura forma sau stil de arta si nici nu pot fi reduse la o singura teorie. Mai degraba, cele doua epoci sunt renumite pentru ca au produs stiluri si idei diferite despre arta. Formele de arta tipice ale modernismului sunt impresionismul, expresionismul, cubismul, dar si fauvismul. In epoca postmoderna, au aparut forme mai noi de arta, cum ar fi Land Art, Body Art, Conceptual Art, Pop Art si multe altele.
Aceasta gama de arta ar putea fi demonstrata, de exemplu, de un tablou al impresionistului Claude Monet si un tablou al artistului de arta pop Andy Warhol. Atat intr-un mod asemanator ca motiv, tehnica, cat si culorile, sunt prezentate total diferit.
3. Postmodernismul: eterogenitatea inlocuieste omogenitatea ca principiu de baza
Experimentand Iluminismul in trecutul recent, vazand industrializarea progresiva in curs si o detasare tot mai mare de institutiile, traditiile si normele artistice, modernismul a fost caracterizat in special de o credinta incontestabila in progres. Din punct de vedere artistic, aceasta dorinta de dezvoltare ulterioara s-a aratat in experimente grafice si, de asemenea, sub forma de reducere, asa cum a exercitat-o artistul El Lissitzky, de exemplu.
In special cartea lui Jean-Francois Lyotard La Condition Postmoderne (1979) a fost cea care trebuia sa puna capat acestei credinte in progresul in postmodernism. In scrierile sale, Lyotard a inlocuit un principiu explicativ universal valabil si absolut (Dumnezeu, subiect etc.) cu o multitudine de jocuri de limbaj care ofereau diverse modele explicative. Lyotard s-a intors impotriva unei anumite forme istorice de rationalitate bazata pe excluderea eterogenului. Ca urmare, a crescut o sensibilitate toleranta la diferente, eterogenitate si pluralitate si, odata cu aceasta, capacitatea de a suporta incompatibilitatea.
O intelegere eterogena a lumii a adus cu ea si multe opere de arta critice, inclusiv lucrarea lui Barbara Kruger critica capitalismul. Alte lucrari au fost influentate de lupta pentru drepturile civile din SUA sau al doilea val al feminismului, de exemplu.
4. Arta postmoderna: o intelegere extinsa a artei
Aceasta eterogenitate s-a manifestat initial destul de formal in postmodernism: mediile clasice de arta, cum ar fi panza sau hartia, au fost inlocuite de noi medii. Artistii au lucrat din ce in ce mai mult cu materiale de zi cu zi si le-au amestecat cu forme clasice de arta. Colajele, de exemplu, au fost foarte populare in anii 1950 si 1960. Dar si Body Art, care foloseste propriul corp ca mijloc de arta, a fost o forma de arta atat de noua. Din ce in ce mai mult, artistii s-au indepartat si de orice obiect ca mijloc de arta. Asa a aparut arta performantei, de exemplu.
Artista Marina Abramovic este inca una dintre cele mai cunoscute artisti de performanta din toate timpurile. Si-a inceput munca in arta performantei cand a inceput sa apara postmodernismul. Abramovic a reprezentat, de asemenea, un mod de arta oarecum nihilist, care poate fi vazut ca fiind tipic pentru arta postmoderna si perioada celei de-a doua jumatate a secolului XX. In spectacolul ei Rest Energy (1980), Abramovic a cantat impreuna cu partenerul ei, artistul de performanta Ulay.
Artista si-a explicat ulterior munca ei astfel: „Nu eram la conducere. In Rest Energy am tinut de fapt o sageata pe greutatea corpului nostru, iar sageata este indreptata direct in inima mea. Aveam doua microfoane mici langa inima, astfel incat sa ne auzim bataile inimii. Pe masura ce performanta noastra progresa, bataile inimii deveneau din ce in ce mai intense si, desi a durat doar patru minute si zece secunde, va spun ca pentru mine a fost pentru totdeauna. A fost o performanta despre increderea deplina si totala.”
5. Arta moderna: forma si functie, postmodernismul: preluarea „ideii”
Arta conceptuala, asa cum a fost definita de artistul american Sol Lewitt, a oferit o abordare deosebit de radicala a artei moderne. In timp ce la inceputul secolului al XX-lea, miscarile artistice precum Bauhaus din Europa puneau functia artei mai presus de forma ei, Sol Lewitt a facut ideea factorului producator al artei. In eseul sau Paragraphs on Conceptual Art (1967), el scrie: „Cand un artist foloseste o forma conceptuala de arta, inseamna ca toate planurile si deciziile sunt luate in prealabil, iar executia este o chestiune superficiala. Ideea devine o masina care face arta.”
In acest sens, artistul Joseph Kosuth reflectase deja asupra diferitelor coduri ale unui scaun in lucrarea sa conceptuala One and Three Chairs (1965). Opera de arta in sine nu este unica in opera lui Kosuth; este reflectia artistului asupra alegorii lui Platon a pesterii care completeaza opera de arta de aici.
6. Postmodernistii au respins ideea unei realitati obiectiv inteligibile
Postmodernisti precum Lyotard, Heidegger, Derrida dar si fenomenologi precum Lacan sau Merleau-Ponty au examinat critic conceptul de realitate perceptibila obiectiv. De la teoreticieni precum cei mentionati mai sus provin idei care presupun ca nu exista adevar si identitate obiectiva. Noile teorii ale perceptiei au fost, de asemenea, abordate si prelucrate in arta postmodernismului.
O lucrare interesanta in acest context vine de la conceptul si artistul video din New York Dan Graham. In lucrarea sa complicata Two Delay Room (1974), facuta din oglinzi si ecrane, Graham confrunta vizitatorii lucrarii sale cu functia si limitele propriei lor perceptii. In cele doua camere ale sale, fiecare echipata cu doua ecrane si camere, Dan Graham se joaca cu observatia tehnica si umana a propriei sale existente. O intarziere in transmiterea imaginilor camerei catre ecrane imita perceptia umana.
Modernism vs. Postmodernism: Canvas To Space-Consuming Installation
Recunosc ca acest text reprezinta o plimbare destul de rapida prin istoria artei de aproape doua secole. Dar aceasta trecere rapida si juxtapunerea modernismului si postmodernismului in sase fapte arata clar lucruri diferite. In primul rand, este clar ca miscarea pe care modernismul si postmodernismul o fac in arta in ansamblu este o miscare in sensul dezvoltarii. Totusi, aceasta miscare are loc diferit in cele doua epoci. Schimbarea de forma este si cea mai evidenta. In timp ce la inceputul modernismului artistii inca pictau pe panza, postmodernismul a produs opere de arta care umple absolut spatiul, asa cum arata ultima lucrare a lui Dan Graham.
Modernism vs. postmodernism este credinta in progres versus critica progresului si o intoarcere catre pluralitate si eterogenitate. Este, de asemenea, presupunerea ca exista mai mult de o realitate perceptibila obiectiv.
