De-a lungul istoriei, moda si arta au mers mana in mana, creand un amestec grozav. Multi designeri de moda au imprumutat idei de la miscarile artistice pentru colectiile lor, permitandu-ne sa interpretam moda ca o forma de arta. In principal, arta ne serveste pentru a exprima idei si viziuni. Ca o oda rafinata istoriei artei, mai jos sunt noua piese de arta purtabile concepute de designeri de moda vizionari ai secolului al XX-lea.
Madeleine Vionnet: un designer de moda care a canalizat istoria antica
Nascuta in nord-centrul Frantei in 1876, Madame Vionnet era cunoscuta drept „arhitectul croitorilor”. In timpul sederii sale la Roma, a fost fascinata de arta si cultura civilizatiilor grecesti si romane si inspirata de zeitele si statuile antice. Pe baza acestor lucrari de arta, ea si-a modelat stilul estetic si a combinat elemente de sculptura si arhitectura greceasca pentru a da o noua dimensiune corpului feminin. Cu abilitatile ei magistrale de a drapea si a decupa rochiile partiale, ea a revolutionat moda moderna. Vionnet a apelat adesea la piese de arta precum Victoria inaripata din Samothrace pentru colectiile sale creative.
Asemanarea dintre capodopera artei elenistice si muza lui Vionnet este izbitoare. Drapatura adanca a tesaturii in stilul chitonului grecesc creeaza benzi verticale de lumina care curg in josul figurii. Sculptura a fost creata ca un omagiu adus lui Nike, zeita greaca a victoriei si este admirata pentru reprezentarea realista a miscarii. Draperiile fluide ale designului lui Vionnet seamana cu miscarea tesaturii ondulate care se lipeste de corpul lui Nike. Rochiile pot fi ca niste fiinte vii cu suflet, la fel ca trupul. La fel ca Victoria inaripata din Samotracia, Vionnet a creat rochii care trezesc fiintele umane. Clasicismul, atat ca filozofie estetica, cat si ca filozofie de design, i-a oferit lui Vionnet capacitatea de a-si transmite viziunea in armonie geometrica.
Vionnet a fost, de asemenea, fascinat de miscarile de arta moderna, precum cubismul. Ea a inceput sa incorporeze forme geometrice in creatiile ei si a dezvoltat o metoda diferita de a le taia, numita taierea bias. Desigur, Vionnet nu a sustinut niciodata ca ea a inventat taietura, ci doar si-a extins utilizarea. Pe masura ce femeile au facut progrese mari in lupta pentru drepturile lor la inceputul secolului al XX-lea, Vionnet si-a aparat libertatea eliminand corsetul victorian de lunga durata din imbracamintea zilnica a femeilor. Prin urmare, ea a devenit un simbol al eliberarii femeilor de constrangerea bustierelor si, in schimb, a lansat tesaturi noi, mai usoare, care pluteau pe corpurile feminine.
Valentino si Hieronymus Bosch
Pierpaolo Piccioli este designerul principal al lui Valentino. Operele de arta religioasa din Evul Mediu il atrag foarte mult. Punctul de plecare de inspiratie pentru el este momentul de tranzitie de la Evul Mediu la Renasterea de Nord. A colaborat cu Zandra Rhodes si impreuna au conceput o colectie inspirata in primavara anului 2017. Piccioli a vrut sa conecteze cultura punk de la sfarsitul anilor ’70 cu umanismul si arta medievala, asa ca s-a intors la radacinile sale si la Renastere, gasindu-si inspiratia in pictura lui Hieronymus Bosch The Gradina deliciilor pamantesti .
Faimosul pictor olandez a fost unul dintre cei mai de seama reprezentanti ai Renasterii de Nord in timpul secolului al XVI-lea. In Gradina Desfatarilor Pamantesti pe care Bosch a pictat-o inainte de Reforme, artistul a vrut sa infatiseze Raiul si creatia omenirii, prima ispita cu Adam si Eva si Iadul, anticipand pacatosii. In panoul central, oamenii par sa-si satisfaca poftele intr-o lume in cautarea placerii. Iconografia lui Bosch se remarca prin originalitate si senzualitate. Intreaga pictura este interpretata ca o alegorie a pacatului.
In lumea modei, pictura a castigat popularitate, deoarece diversi designeri de moda au fost fermecati de motivele sale. Imbinand epocile si estetica, Piccioli a reinterpretat simbolurile lui Bosch prin rochii transparente plutitoare, in timp ce Rhodes a creat imprimeurile romantice si modelele brodate, cu un cap subtil la opera de arta originala. Culorile au fost cu siguranta o parte a mesajului pe care designerii de moda doreau sa-l transmita. Astfel, colectia de rochii de vis plutitoare se bazeaza pe paleta de culori nordica de verde mar, roz pal si albastru robin.
Dolce & Gabbana si barocul lui Peter Paul Rubens
Peter Paul Rubens a pictat femeile cu maiestrie, „cu dragoste, eruditie si sarguinta”. El si-a prezentat Venus in fata oglinzii drept simbolul suprem al frumusetii. Rubens si-a descris in mod exceptional tenul deschis si parul deschis, care contrasteaza cu roaba cu pielea inchisa. Oglinda este simbolul suprem al frumusetii, care incadreaza femeia ca un portret, subliniind in acelasi timp subtil goliciunea figurii. Oglinda pe care Cupidon o ridica pentru zeita dezvaluie reflectarea lui Venus, ca reprezentare a dorintei sexuale. Rubens, care a fost unul dintre fondatorii artei baroc, si conceptul sau in care „culorile sunt mai importante decat liniile”, a influentat mai multi designeri de moda, inclusiv Dolce & Gabbana. Stilul baroc a deviat de la spiritul Renasterii, a abandonat linistea si netezimea si a urmarit in schimb eleganta, entuziasmul si miscarea.
Creatorii de moda Domenico Dolce si Stefano Gabbana si-au dorit sa creeze o campanie care sa laude latura senzuala, dar si romantica a frumusetii feminine. Peter Paul Rubens a fost cea mai potrivita sursa de inspiratie. Creatiile iconicului duo au ajuns sa fie in mare armonie cu arta pictorului flamand. In aceasta colectie, modelele au pozat cu mare noblete, aratand de parca tocmai ar fi sarit dintr-unul dintre tablourile lui Rubens. Peisajul a fost conceput pentru a aminti de oglinzile baroc si detaliile de broderie. Gratia figurilor si paleta de culori pastelate puneau in evidenta perfect rochia roz de brocart. Alegerea creatorilor de moda de a include modele diverse cu atat mai mult a promovat tipul de corp din acea epoca. Liniile curbate folosite de Dolce si Gabbana au fost impotriva discriminarii diferitelor tipuri de corp in industria modei.
Colectia de femei Dolce si Gabbana pentru toamna 2012 prezinta multe caracteristici ale arhitecturii baroc italiene. Aceasta colectie coincide perfect cu caracteristicile extrem de ornamentate ale stilului baroc sicilian. Creatorii de moda s-au concentrat pe arhitectura baroca, asa cum se vede in bisericile catolice din Sicilia. Punctul de referinta a fost pictura lui Rubens Portretul Annei de Austria . In portretul ei regal, Ana de Austria este reprezentata purtand moda spaniola. Rochia neagra a lui Anne este decorata, cu benzi verticale de broderie verde si detalii aurii. Maneca in forma de clopot, cunoscuta sub numele de „Spanish Great-Sleeve” este, de asemenea, o semnatura in stil spaniol, precum si gulerul din dantela cu volane. Rochiile si pelerinele concepute cu arta, realizate din textile de lux, precum dantela si brocart, au furat spectacolul Dolce si Gabbana.
Istoria artei si a modei: manierismul lui El Greco si Cristobal Balenciaga
Cristobal Balenciaga ar putea fi descris ca un adevarat maestru al modei care a reformat moda feminina in secolul al XX-lea. Nascut intr-un mic sat din Spania, el a transferat esenta istoriei artei spaniole in desenele sale contemporane. De-a lungul carierei sale, Balenciaga a fost impresionat de Renasterea spaniola. A cautat adesea inspiratie in regalitatea spaniola si membrii clerului. Balenciaga a transformat piesele ecleziastice si hainele monahale ale epocii in capodopere de moda purtate.
Una dintre marile sale inspiratii a fost manieristul El Greco, cunoscut si sub numele de Dominikos Theotokopoulos. Privind la cardinalul Fernando Nino de Guevara al lui El Greco , exista o asemanare intre pelerina cardinalului si designul lui Balenciaga. Pictura il infatiseaza pe cardinalul spaniol, Fernando Nino de Guevara, din timpul lui El Greco in Toledo. Ideile lui El Greco au fost derivate din neoplatonismul Renasterii italiene, iar in acest portret, el il prezinta pe cardinal ca simbol al harului lui Dumnezeu. Manierismul este prezent pe tot tabloul. Se remarca in figura alungita cu capul mic, in membrele gratioase dar bizare, in culorile intense si in respingerea masurilor si proportiei clasice.
Pasiunea lui Balenciaga pentru imbracamintea istorica este evidenta in acest palton de seara extravagant din colectia sa din 1954. El a avut viziunea si capacitatea de a reinventa forme in moda contemporana. Gulerul exagerat al acestei haine reproduce caracterul largi al pelerinei Cardinalului. Culoarea rosie a hainelor cardinalului simbolizeaza sangele si dorinta lui de a muri pentru credinta. Culoarea rosu viu a fost considerata extraordinara de celebrul designer, deoarece prefera adesea combinatii de culori indraznete si nuante stralucitoare. Marea sa inovatie a fost eliminarea taliei si introducerea liniilor fluide, taieturi simple si maneci trei sferturi. Facand acest lucru, Balenciaga a revolutionat moda feminina.
Designerul a introdus si manecile lungi de bratara, care le-au permis femeilor sa-si etaleze bijuteriile. In anii 1960, in timp ce se producea introducerea progresiva a femeilor in industria muncii, Balenciaga a avut ideea de a oferi confort, libertate si functionalitate femeilor pe care le imbraca. A promovat rochii largi, confortabile, care contrastau cu siluetele stranse ale vremii.
Simbolismul lui Alexander McQueen si Gustav Klimt
Pictor austriac, maestru al simbolismului si fondator al miscarii Secesiunii Vienei, Gustav Klimt a marcat istoria artei secolului XX. Picturile sale si estetica artistica au fost de multa vreme o inspiratie pentru designerii de moda. Printre altii precum Aquilano Rimoldi, L’Wren Scott si Christian Dior, designerul care s-a referit direct la Klimt a fost Alexander McQueen. In colectia resort pentru colectia de primavara/vara din 2013, a conceput piese unice care par sa fie inspirate din opera pictorului. Privind la rochia neagra fluida, cu modelul auriu care se repeta deasupra – ar putea veni in minte un anumit tablou. McQueen a adoptat modele abstracte, geometrice si mozaic in tonuri de bronz si auriu, incorporandu-le in design-ul sau.
In 1905, Gustav Klimt a pictat Implinirea , o reprezentare a unui cuplu prins intr-o imbratisare duioasa, care a devenit un simbol al iubirii. Pictorul austriac este renumit pentru picturile sale aurii dar si pentru amestecul perfect de abstractizare si culoare prezent in aceste lucrari. Toate mozaicurile au tonuri aurii bogate, cu decoratiuni caleidoscopice sau derivate din natura, care au avut un mare impact asupra modei. Acest tablou este vibrant datorita formelor geometrice contrastante dintre hainele celor doi indragostiti. Imbracamintea barbatului include patrate negre, albe si gri, in timp ce rochia femeii este decorata cu cercuri ovale si motive florale. In acest fel, Klimt ilustreaza cu maiestrie diferenta dintre masculinitate si feminitate.
Christian Dior, designerul viselor si picturile impresioniste ale lui Claude Monet
Fondatorul impresionismului si unul dintre cei mai mari pictori francezi din istoria artei, Claude Monet a lasat in urma o mare opera artistica. Folosindu-si casa si gradina de la Giverny pentru inspiratie, Monet a surprins peisajul natural in picturile sale. Mai exact, in tabloul numit Gradina artistului de la Giverny, el a reusit sa manipuleze peisajul natural dupa nevoile sale. Contrastul caii noroioase maro si culoarea vibranta a florilor completeaza scena. Celebrul impresionist a ales adesea floarea de iris pentru culoarea ei violet pentru a da efectul unui soare stralucitor. Acest tablou este plin de viata, deoarece florile infloresc si imbratiseaza primavara. Petalele de trandafiri si liliac, iris si iasomie fac parte dintr-un paradis colorat, redate pe o panza alba.
In acelasi spirit, Christian Dior, un pionier al couture-ului francez, a pus o amprenta imensa asupra lumii modei care se resimte si astazi. In 1949, a creat o colectie Haute Couture pentru sezonul primavara/vara. Unul dintre punctele culminante ale acelei expozitii a fost rochia iconica Miss Dior , brodata in intregime cu petale de flori in diferite nuante de roz si violet. Dior a ilustrat perfect cele doua lumi ale artei si modei si a imitat estetica lui Monet in aceasta rochie functionala. Obisnuia sa petreaca mult timp in mediul rural, desenand colectiile sale in gradina lui din Granville, la fel cum facea Monet. In acest fel, el a definit stilul elegant „Dior”, incorporand paleta de culori si modelele florale ale lui Monet in creatiile sale.
Yves Saint Laurent, Mondrian si De Stijl
Mondrian a fost unul dintre primii artisti care au pictat arta abstracta in secolul al XX-lea. Nascut in Olanda, in 1872, a inceput o intreaga miscare de arta numita De Stijl. Scopul miscarii a fost sa imbine arta moderna si viata. Stilul, cunoscut si sub numele de Neoplasticism, a fost o forma de arta abstracta in care folosind doar principii geometrice si culori primare, cum ar fi rosu, albastru si galben, era combinata cu neutre (negru, gri si alb). Stilul inovator al lui Mondrian de la inceputul anilor 1900 i-a facut pe creatori de moda sa reproduca acest tip pur de arta abstracta. Cel mai bun exemplu de pictura De Stijl este Compozitia cu rosu, albastru si galben .
Ca iubitor de arta, designerul de moda francez Yves Saint Laurent a incorporat picturile lui Mondrian in creatiile sale haute couture. Prima data s-a inspirat de la Mondrian cand a citit o carte despre viata artistului pe care mama lui i-a daruit-o de Craciun.
Designerul si-a aratat aprecierea fata de Mondrian in colectia sa de toamna din 1965, cunoscuta sub numele de colectia „Mondrian”. Inspirat de liniile geometrice si culorile indraznete ale pictorului, el a prezentat sase rochii de cocktail care i-au marcat stilul iconic si epoca anilor saizeci in general. Fiecare dintre rochiile Mondrian a variat putin, dar toate aveau in comun forma simpla in linie A si lungimea pana la genunchi fara maneci care flatau orice tip de corp.
Elsa Schiaparelli si Salvador Dali
Nascuta in 1890 intr-o familie aristocratica din Roma, Elsa Schiaparelli si-a exprimat curand dragostea pentru lumea modei. Va incepe sa-si dezvolte stilul revolutionar inspirat de futurism, dada si suprarealism. Pe masura ce cariera ei a progresat, s-a conectat cu suprarealisti si dadaisti cunoscuti precum Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp si Jean Cocteau. Ea a colaborat chiar si cu artistul spaniol Salvador Dali. Absurditatea sa estetica si suprarealista a facut din Dali cel mai faimos pictor al miscarii suprarealismului.
Una dintre cele mai mari colaborari din istoria modei a fost cea a lui Dali si Elsa Schiaparelli. Aceasta rochie a fost creata impreuna cu Salvador Dali, ca parte a colectiei Circus a lui Schiaparelli din vara anului 1938. Rochia face referire la pictura lui Dali, in care el infatisa femei cu carnea rupta.
Pentru artistii suprarealisti, cautarea femeii ideale a fost sortita esecului, deoarece idealul exista doar in imaginatia lor, si nu in realitate. Intentia lui Dali, totusi, nu a fost sa infatiseze femeile in mod realist, astfel incat corpurile lor nu sunt deloc placute din punct de vedere estetic. Schiaparelli a vrut sa experimenteze acest joc de ascunde si dezvaluire a corpului, dand iluzia de vulnerabilitate si expunere. Rochia Tear-Illusion a fost realizata din crep de matase albastru pal, iar imprimeul a fost conceput de Dali pentru a semana cu cele trei femei din tabloul sau. Lacrimile dezvaluie partea inferioara roz a tesaturii, cu un roz mai inchis dezvaluit in gauri.
Creatori de moda si arta pop: Gianni Versace si Andy Warhol
Epoca Pop Art a fost probabil cea mai influenta perioada pentru designerii de moda si artistii din istoria artei. Andy Warhol a fost pionier intr-o combinatie de cultura pop si moda care l-a facut un simbol iconic al miscarii Pop Art. In anii saizeci, Warhol a inceput sa-si exerseze tehnica de semnatura cunoscuta sub numele de serigrafie.
Una dintre cele mai vechi si, fara indoiala, cele mai faimoase lucrari ale sale a fost Dipticul Marilyn . Pentru aceasta lucrare de arta, s-a inspirat nu numai din cultura pop, ci si din istoria artei si pictorilor expresionismului abstract. Warhol a surprins cele doua lumi ale lui Marily Monroe, viata publica a starului de la Hollywood si realitatea tragica a Norma Jeane, femeia care s-a luptat cu depresia si dependenta. Dipticul intareste vibratia in stanga, in timp ce in dreapta se estompeaza in intuneric si obscuritate. In incercarea de a prezenta o societate a consumerismului si materialismului, el a descris indivizii ca produse, mai degraba decat fiinte umane.
Designerul italian Gianni Versace a avut o prietenie de lunga durata cu Andy Warhol. Ambii barbati au fost fermecati de cultura populara. Pentru a-l comemora pe Warhol, Versace i-a dedicat Colectia de primavara/vara din 1991. Una dintre rochii prezenta imprimeurile Marilyn Monroe ale lui Warhol. El a incorporat pe fuste si rochii maxi portrete viu colorate, serigrafiate ale lui Marilyn si James Dean, care provin din anii 1960.