Ce este Art Nouveau? Miscarea Art Nouveau a explorat o forma de arta decorativa care a prosperat in Statele Unite si Europa din jurul anului 1890. Stilul Art Nouveau, care a fost aplicat popular in designul interior, arhitectura, bijuterii si modele de sticla, publicitate si grafica, se distinge prin folosirea liniilor lungi, serpentine, naturale. Perioada Art Nouveau a fost definita printr-un efort constient de a dezvolta un design unic, care sa fie diferit de clasicismul mimetic care a caracterizat majoritatea designului si artei din secolul al XIX-lea.
Explorarea stilului Art Nouveau
De-a lungul Europei si dincolo de mult, design-urile si conceptele Art Nouveau au generat o dorinta pentru arte decorative, design arhitectural si stil. In consecinta, are o serie de pseudonime diferite, inclusiv Jugendstil si stilul Glasgow. Respingand amestecul divers, la moda anterior, de stiluri anterioare, artistii Art Nouveau au aspirat sa modernizeze designul.
Modelele Art Nouveau au fost inspirate de modele naturaliste si geometrice si au produs modele atragatoare care imbinau forme fluide, organice, care sugereaza ramurile plantelor si florile.
Drept urmare, contururile liniare au avut prioritate fata de culorile vii, cum ar fi portocalii , rosu si portocaliu-galbui. Miscarea Art Nouveau a incercat sa elimine sistemele clasice de arta, precum sculptura si pictura fiind mai esentiale decat artele decorative bazate pe mestesuguri. Acest design, care disparuse cu mult inainte de Primul Razboi Mondial, a pregatit scena pentru renasterea art deco in anii 1920. Cu toate acestea, a fost revitalizat in anii 1960 si astazi este vazut ca un predecesor cheie al modernismului, daca nu o componenta de baza a modernismului.
Cele mai raspandite exemple ale stilului pot fi observate in arhitectura Art Nouveau si picturile Art Nouveau.
Compozitie reprezentand diferite aspecte ale stilului Art Nouveau; Lucrare de compozitie : asmoth, asmoth pe wikipediaAutorii imaginilor originale : (de la stanga sus la dreapta jos) : Camille Martin (1861 – 1898), incarcat de SkeJean-Louis VenetGuillaume Baviere, incarcat de Paris 16GuerinfWolfgang MoroderEugene incarcat de Samuel Grassetters, Rossetters, incarcat de Samuel Grassetters, Domeniu public, prin Wikimedia Commons
Concepte importante
Dorinta artistilor Art Nouveau de a se rupe de traditiile istorice din secolul al XIX-lea a fost un motiv principal din spatele modernismului miscarii Art Nouveau. In ciuda faptului ca productia industrializata devenise obisnuita, imitatiile epocilor anterioare au devenit treptat mai raspandite in artele decorative.
Practicantii Art Nouveau au vrut sa restaureze manopera remarcabila, sa imbunatateasca mestesugurile si sa produca modele cu adevarat moderne, care sa faca apel la pragmatismul produselor pe care le creau si le produceau.
Datorita sistemelor academice care au caracterizat pregatirea artistica din secolele al XVII-lea pana in secolele al XIX-lea, sculptura si pictura au fost considerate preferabile abilitatilor precum designul interior si fieraria. Potrivit multora, acest lucru a dus la dispretul pentru maiestria excelenta. Cand vine vorba de arhitectura si design interior, arhitectura Art Nouveau a incercat sa sfideze conventiile prin construirea de „opere de arta complete”, in care toate partile au lucrat la unison intr-un limbaj estetic unificat.
Perioada Art Nouveau a fost cruciala in reducerea decalajului dintre artele plastice si cele practice, dar nu este sigur daca aceasta decalaj a fost vreodata depasita in totalitate. O serie de designeri Art Nouveau au considerat ca modelele anterioare erau excesiv de ornamentale pentru a evita ceea ce ei considerau ca o infrumusetare inutila. Acest lucru i-a facut sa simta ca scopul unui obiect, in loc de invers, ar trebui sa ii afecteze forma.
In realitate, aceasta a fost o mentalitate deschisa care ar afecta viitoarele miscari moderniste, in special Bauhaus.
Aspecte cheie ale miscarii Art Nouveau
In jurul anului 1880, stilul Art Nouveau a aparut ca o reactie la motivele si compozitiile aglomerate ale operelor de arta din epoca victoriana. A doua influenta a fost miscarea Arts and Crafts din Anglia, care a fost o reactie impotriva artei ornamentale din epoca victoriana, similar modelelor Art Nouveau. In consecinta, multi artisti europeni ai anilor 1880, cum ar fi Emile Galle, Gustav Klimt si James Abbott McNeill Whistler, au fost captivati de lucrarile de arta japoneze, in special.
Modelele inflorate si globulare, precum si curbura „whiplash”, erau comune in imprimeurile japoneze, care in cele din urma au devenit legate de modelele Art Nouveau. Este greu de spus ce lucrare sau piese de arta au lansat oficial Art Nouveau.
In timp ce unii sustin ca liniile ritmice, fluide si fundalul inflorit ale lui Vincent van Gogh marcheaza inceputul perioadei Art Nouveau, altii sustin ca litografiile lui Henri de Toulouse Lautrec demonstreaza punctul culminant al stilului.
Expozitii
Picturile si arhitectura Art Nouveau au fost cele mai importante in expozitiile internationale in perioada sa de glorie. Expozitia Tervueren de la Bruxelles, Expozitia Universala de la Paris din 1889 si Expozitia Internationala de la Nancy din 1909 l-au expus in mod semnificativ (unde designul Art Nouveau a fost folosit in principal pentru a demonstra potentialul manoperei cu cherestea exotica din Congo Belgian).
Fiecare dintre aceste expozitii s-a concentrat in jurul artelor decorative si arhitecturii si, in cele din urma, Art Nouveau a fost de fapt tendinta de alegere pentru aproape fiecare arhitect si tara expusa, fara alte stiluri care sa joace pentru pozitie sau vanzari.
L’Art Nouveau, fondat in 1895 de Siegfried Bing, un comerciant german care era si un admirator al artei japoneze , a devenit un furnizor major al artelor decorative si al mobilierului stilului. Faima magazinului s-a extins in Europa si in Statele Unite si a devenit un nume cunoscut. Art Nouveau a fost numita o multitudine de titluri datorita popularitatii sale extinse in Europa de Vest si Centrala. In tarile de limba germana, a fost numit Jugendstil cand un jurnal din Munchen numit Jugend l-a popularizat.
Numele „Sezessionsstil” a fost inventat la Viena, casa unor artisti precum Otto Wagner, Gustav Klimt si Josef Hoffmann, toti membri ai stilului Secession.
Portret de grup al membrilor Secesiunii de la Viena la cea de-a 14-a expozitie din 1902, cu (de la stanga la dreapta) Anton Nowak, Gustav Klimt (pe scaun), Koloman Moser (inaintea lui Klimt cu palarie) Adolf Bohm, Maximilian Lenz (inclinat), Ernst Stohr (cu palarie), Wilhelm List, Emil Orlik (sezand), Maximilian Kurzweil (cu sapca), Leopold Stolba, Carl Moll (inclinat), Rudolf Bacher; Moritz Nahr, Domeniu public, prin Wikimedia Commons
Concepte de design Art Nouveau
Marea atractie a perioadei Art Nouveau de la sfarsitul secolului al XIX-lea poate fi atribuita in parte utilizarii formelor de arta grafica usor de reprodus de catre multi artisti. In timpul erei Jugendstil, presa scrisa, cum ar fi coperti de carti si coperti de catalog de exponate, reclame in reviste, taloane de bilete si panouri publicitare au fost la moda in Germania.
Cu toate acestea, aceasta noua crestere nu s-a limitat doar la globul vorbitor de limba germana.
In scurta sa cariera, Aubrey Beardsley, un artist britanic remarcat pentru imbinarea eroticului si macabrului in munca sa, a creat o serie de postere cu linii fluide si ritmice. Datorita artei sale, el a fost unul dintre cei mai dezbinati indivizi din Art Nouveau. Lucrarile extrem de impodobite ale lui Beardsley arata ca imprimeurile Art Nouveau si Japonismul au multe in comun.
Noile procese cromolitografice au fost folosite pentru a promova noile tehnologii, cum ar fi luminile electrice si telefoanele, precum si locurile de viata de noapte, cum ar fi tavernele si restaurantele, si chiar spectacolele solo, toate acestea transmitand fiorul si energia vietii moderne. Drept urmare, afisul a fost rapid ridicat de la o forma banala de reclama la o opera de arta. Orice studiu autentic al Art Nouveau trebuie sa includa arhitectura si impactul urias al acesteia asupra culturii europene.
Art Nouveau a inflorit din punct de vedere arhitectural in orase mari, precum Bruxelles si Paris, precum si in orase mai mici, cum ar fi Darmstadt, si in localitati din Europa de Est, precum Praga, Riga si Budapesta.
Arhitectura Art Nouveau
Poate fi gasit in orice, de la locuinte modeste pe rand pana la mari structuri institutionale si comerciale de astazi. Art Nouveau a aparut intr-o gama larga de stiluri arhitecturale, in special. Multe structuri folosesc in mod considerabil teracota si gresie colorata. Alexandre Bigot, de exemplu, a devenit celebru la sfarsitul secolului al XIX-lea pentru decoratiunile sale din teracota pentru exteriorul si semineele conacelor si ansamblurilor de apartamente din Paris.
Cladirile din fier sunt conectate prin panouri de sticla in multe alte cladiri Art Nouveau , in special in Belgia si Franta. In multe regiuni ale Europei, arhitectura Art Nouveau a fost populara, folosind materiale locale, cum ar fi calcarul galben cuplat cu ornamente din lemn. In multe cazuri, au fost folosite acoperiri sculpturale din stuc alb, in special pe pavilioanele expozitionale Art Nouveau.
Bursa de Valori din Chicago si cladirea Wainwright sunt doua dintre cladirile lui Louis Sullivan care sunt considerate printre cele mai bune exemple de arhitectura Art Nouveau din America de Nord.
Design interior
Designul Art Nouveau, ca si traditiile de arta si mestesuguri dinaintea lui, era preocupat atat de designul interior, cat si de cel exterior. Interioarele Art Nouveau s-au straduit sa creeze un mediu coerent care sa profite la maximum de fiecare centimetru patrat. In acest context, s-a pus mult accent pe designul mobilierului, in special in fabricarea lemnului sculptat manual cu curbe ascutite, neregulate, care a fost realizata in mod normal de artizani, dar ocazional de masini.
Producatorii de mobila au facut paturi, scaune si mese de sufragerie, bufete si beci. Curbele curgatoare ale modelelor, care au fost folosite ca lambriuri pentru pereti si modele de coroana, au fost inspirate de granul natural al lemnului.
Cei mai cunoscuti designeri francezi Art Nouveau au fost Emile Galle, Eugene Vallin, Tony Selmersheim si Louis Majorelle. Liniile de bici si formele restranse, mai unghiulare, au fost utilizate de artistii belgieni Henry van de Velde si Gustave Serrurier-Bovy, care s-au inspirat ambii din stilul Arts and Crafts.
Italienii Augustino Lauro si Alberto Bugatti au fost printre cei mai cunoscuti oaspeti ai natiunii.
Majorelle, care a produs intr-o serie de medii, a fost infama pentru ca este greu de clasificat. El a dezvoltat si a fabricat propriile piese de mobilier, de exemplu, inainte de a deschide o turnatorie de fierarie si de a produce accesorii metalice pentru sticla fratilor Daum.
Tablouri Art Nouveau
Art Nouveau este unul dintre singurele stiluri ale caror lucrari pot fi gasite in aproape orice mediu vizual sau material. Artisti celebri asociati cu Art Nouveau includ Gustav Klim si Victor Prouve, un designer grafic francez specializat in design, grafica si lucrari de arhitectura.
Opera de arta din acea perioada este greu de gasit din cauza raritatii artistilor Art Nouveau precum Klimt si Prouve, care a fost atat arhitect, cat si artist.
Este posibil ca artistii Art Nouveau sa fi facut mai mult decat in orice alta perioada din istorie pentru a reduce decalajul dintre artele ornamentale si cele aplicate, care au fost vazute anterior ca reprezentari mai semnificative si mai pure ale talentului si expertiza creativa. Cu toate acestea, daca aceasta prapastie a fost sau nu inchisa vreodata este discutabil.
Bijuterii si sticla
Inclinatia pentru lux a Art Nouveau a fost folosita de unii dintre cei mai cunoscuti producatori de sticla din istorie. Emile Galle, Jacques Gruber si Fratii Daum au fost toti renumiti pentru sticla lor Art Nouveau, care a fost folosita intr-o gama larga de bunuri utilitare de-a lungul profesiilor lor. Aceste companii si-au facut reputatia in designul de vaza si, respectiv, in sticla de arta, deschizand moduri noi de pionierat in piese gravate cu acid, cu modele curbe sinuoase, modelate care pareau sa curga cu usurinta intre culorile translucide.
In plus, pictorii pe sticla, cum ar fi Fratii Daum, l-au folosit pentru a realiza bunuri practice, cum ar fi nuante, vaze si decoratiuni pentru birou.
Jacques Gruber si Tiffany, ambii formati cu Fratii Daum, erau maestri ai panourilor luminoase la scara larga, cu vitralii care reflecta splendoarea naturii. Louis Comfort Tiffany, Rene Lalique si Marcel Wolfers au fost printre bijutierii de seama ai vremii.
In ciuda ideii ca accesibilitatea sa l-ar face mai usor disponibil, au fabricat totul, de la inele si pandantive pana la coliere si ace, garantand ca Art Nouveau va ramane asociat cu luxul.
Identitate corporativa si de retail
Cumparaturile cresteau pentru a atrage o clientela mai mare, in acelasi timp in care Art Nouveau castiga popularitate. A fost expus pe scara larga la sfarsitul secolului al XIX-lea la La Samaritaine si la Wertheim. Au existat unele companii majore de design care au sustinut stilul, cum ar fi Boutique L’Art Nouveau din Paris a lui Siegfried Bing, care a ramas un bastion al miscarii pana in 1905, la doar cativa ani dupa trecerea lui Bing.
Nu numai ca afacerea lui vindea interioare si mobilier Art Nouveau, ci si altele din oras. Liberty & Co. a fost principalul distribuitor italian si britanic al miscarii si, in consecinta, marca Liberty a crescut strans asociat cu miscarea.
Numerosi designeri Art Nouveau au devenit proeminente dupa ce au lucrat exclusiv pentru aceste unitati.
Designeri precum Peter Behrens au proiectat totul, de la ceainice la ilustratii de carti, mobilier pentru pavilion, ustensile de bucatarie si mobilier, devenind in cele din urma primul designer industrial cand AEG l-a angajat sa supravegheze toate lucrarile de design in 1907.
Imagine interioara istorica a Muzeului Folkwang (Osthaus) din Hagen, Hochstrasse 75. Sala de curs cu bolta in forma de cupola, banca semicirculara si raft cu exponate. Stilul Art Nouveau proiectat de arhitectul Peter Behrens in 1905; Centrul German de Documentare pentru Istoria Artei – Arhiva de imagini Foto Marburg, CC BY-SA 4.0, prin Wikimedia Commons
Dupa perioada Art Nouveau
In ultima jumatate de deceniu a secolului al XIX-lea, ca si in primii zece ani ai secolului al XX-lea, arhitectii, artistii si designerii si-au schimbat atitudinea si viziunea publica asupra stilului Art Nouveau. Unii designeri au considerat ca „forma trebuie sa urmeze functiei”, dar altii au mers departe cu infrumusetarea, iar stilul a fost criticat pentru ca este prea excesiv. Pe masura ce perioada a continuat, un numar tot mai mare de critici au sustinut ca, mai degraba decat sa intinereasca designul, noul stil l-a inlocuit pe cel anterior cu ceva care parea a fi nou.
Chiar si cu noile procese de productie in masa, gradul ridicat de expertiza cerut de majoritatea modelelor Art Nouveau a asigurat ca nu va fi niciodata atat de accesibil pentru populatia generala pe cat sperasera sustinatorii sai.
Din cauza restrictiilor internationale laxe ale drepturilor de autor, mai multi artisti din Darmstadt nu au putut sa castige bani din lucrarile lor. Relatia dintre miscarea Art Nouveau si expozitii a fost condamnata inca de la inceput. Pentru inceput, cea mai mare parte a cladirilor targului au fost destinate doar sa fie tranzitorii si au fost indepartate cu promptitudine dupa incheierea sarbatorii.
Desi au fost bine intentionate, expozitiile in sine au servit pentru a stimula rivalitatea si competitia intre tari datorita caracterului natural comparativ al expozitiilor, mai degraba decat sa promoveze educatia, cooperarea interculturala si pacea.
Art Nouveau a fost considerat un candidat pentru titlul de „stil national” intr-un numar de natiuni, inclusiv Belgia si Franta, pana cand acuzatiile de radacini straine sau tensiunile politice subversive au transformat sentimentul popular impotriva lui. Pana in 1910, Art Nouveau a disparut aproape din peisajul designului european, cu doar cateva exceptii notabile in care a avut o multime locala devotata.
Moartea Art Nouveau
La inceputul anului 1903, designeri precum Josef Hoffmann, Peter Behrens si Koloman Moser din Austria si Germania au inceput sa se indeparteze de Art Nouveau in favoarea unui stil mai rar, strict geometric. In acelasi an, un grup de designeri legati anterior cu Secesiunea de la Viena a format Wiener Werkstatte, a carui inclinatie pentru formele ascutite unghiulare si rectilinie a amintit de un stil mai precis, de inspiratie industriala, lipsit de conexiuni deschise cu natura.
Atat numirea lui Behrens ca proiectant sef al AEG, stabilindu-l drept primul designer industrial al planetei, cat si infiintarea Werkbund-ului german in 1907, au subliniat acest cadru conceptual al caracteristicilor proiectate de masina.
Acest stil inspirat de masini va creste in estetica pe care acum o numim Art Deco dupa Primul Razboi Mondial.
Influente
In ciuda existentei sale scurte, Art Nouveau a avut o influenta considerabila asupra designerilor grafici din anii 1960 pana in anii 1970, care au cautat sa se desprinda de designul dur, rece si mai minimalist care dominase anterior industria.
Art Nouveau i-a influentat pe artisti precum Peter Max sa produca lucrari care infatiseaza lumea creativa inovatoare, efemera si care curge libera de la inceputul secolului al XX-lea, in experienta sa senzoriala de vis, psihedelica.
Art Nouveau a fost recunoscut ca un pas important catre modernism in arhitectura si arta inca de la inceput. Acum este vazuta ca o reflectare a modului, atmosferei si gandirii intelectuale a unui anumit timp istoric centrat in jurul anului 1900.
A devenit mediul vizual care a caracterizat dorinta erei moderne pentru un stil cu adevarat actual pentru o perioada limitata de timp.
Exemple de arhitectura Art Nouveau si picturi Art Nouveau
Pana acum, am acoperit conceptele cheie ale stilului Art Nouveau, precum si istoria miscarii Art Nouveau. Acum ne vom uita la cateva exemple distinctive de picturi si arhitectura Art Nouveau. Putem vedea cum aceste modele Art Nouveau au influentat fiecare forma de arta.
Design de coperta pentru bisericile orasului Wren (1883) de Arthur Heygate Mackmurdo
Data terminarii 1883 Medie Gravura in lemn pe hartie Dimensiuni 29 cm x 23 cm Locatia curenta Mai multe printuri disponibile
Art Nouveau a fost influentat de miscarea engleza Arts and Crafts, in special de gravura in lemn Arthur Heygate Mackmurdo. Doi factori imprumuta aceasta afiliere: caracterul artizanal al operei de arta, care identifica o gravura in lemn si utilizarea de catre Mackmurdo a spatiului negativ si pozitiv, care este simpla.
Formele abstract-naturaliste ale lui Arthur Heygate Mackmurdo, precum si curbele semnatura lui whiplash, exemplifica iluzia vizuala a miscarii si a vitalitatii care va defini Art Nouveau in anii urmatori.
Subiectul aparent al cartii este ascuns de concentrarea asupra imaginilor florale si vegetale de pe coperta, subliniind aspectul decorativ intentionat al cartii si sugerand ca efortul lui Arthur Heygate Mackmurdo este mai degraba explorator decat un exemplu complet format al stilului Art Nouveau.
Gravura in lemn este mult mai valoroasa decat textul, care este o relatare imprastiata a arhitecturii bisericii din Londra.
Moulin Rouge: La Goulue (1891) de Henri de Toulouse-Lautrec
Data terminarii 1891 Litografia medie Dimensiuni 170 cm x 118 cm Locatia actuala Muzeul de Arta din Philadelphia
Toulouse-Lautrec, unul dintre cei mai proeminenti designeri grafici ai Art Nouveau-ului, a ridicat panoul publicitar de la un obiect de gunoi comercial la creatie de arta plastica in anii 1890, exact acelasi deceniu care a vazut aparitia revistelor creative dedicate complet acestui mediu. Chiar daca cuvantul „Art Nouveau” nu a fost introdus decat dupa moartea lui Lautrec in 1901, graficienii care au colaborat cu el si-au recunoscut propria inventivitate.
Acest design preia flerul si salbaticia hainei unei dansatoare franceze can-can si o reduce la cateva linii de baza, ritmice, implicand miscare si spatiu.
Aplatizarea formelor la contururi de baza cu umplutura de culoare plata reflecta afinitatea Art Nouveau pentru imprimeurile japoneze, precum si iluminarea din astfel de cluburi de noapte, care ar face in mod natural obscure detaliile de suprafata ale persoanelor si ale altor lucruri. In mod similar, numele cabaretului, scris cu litere rosii, indica intensitatea palpitabila a spectacolelor, in care dansatori precum La Goulue au ocupat centrul scenei.
Fusta paunului (1892) de Aubrey Beardsley
Data terminarii 1892 Mediu Ilustratie cu cerneala Dimensiuni 17 cm x 12 cm Locatie curenta Joaca imprimare panou publicitar
Aceasta opera de arta a fost realizata ca o imagine pentru drama lui Oscar Wilde, Salome, din 1892 , care s-a bazat pe povestea biblica a lui Salome care a ordonat ca capul lui Ioan Botezatorul sa fie decapitat si asezat pe un platou. Cativa alti pictori Art Nouveau, precum Victor Prouve, au fost inspirati de Salome. In comparatie cu alte lucrari mai senzuale si de-a dreptul urate ale lui Beardsley, Salome este o aventura blanda.
Cativa dintre artistii influentati de Art Nouveau subliniaza linia si de obicei isi abstrag figurile pentru a obtine curbele curgatoare inspirate de Art Nouveau.
Poate servi, de asemenea, ca un exemplu al modului in care utilizarea pasionala a vocabularului formal al stilului poate duce la critica. Lucrarea lui Beardsley demonstreaza influenta imprimeurilor japoneze asupra Art Nouveau prin reprezentarea sa aplatizata a formei. Aceasta imagine poate fi vazuta si ca o reprezentare a miscarii estetice moderne , demonstrand modul in care Art Nouveau a fost inspirat de multe epoci si genuri istorice.
Muzeul de Arte Aplicate din Budapesta (1896) de Odon Lechner
Arhitectul Odon Lechner Data Terminarii 1896 Functie Muzeul Locatia Budapesta
Muzeul de Arte Aplicate din Budapesta, proiectat de Odon Lechner, demonstreaza cum ramura „nationala” maghiara a Art Nouveau, numita Secesiunea Ungara datorita locatiei sale la Viena, a fost mai mult o fuziune a formelor anterioare decat o cautare a altora noi.
Aceasta structura, care se aseaza pe un lot trapezoidal, are un atrium in partea din spate a fatadei primare, care este umplut cu lumina naturala.
Gresia, vitraliile si piatra leaga structura complicata de jur imprejur, creand un stil policrom viu care mentine privirea publicului ratacitor si informeaza unul dintre armonizarea uniunii formelor de arta in generarea unei „opere de arta completa”. Arcurile complexe cu mai multe lobi, impreuna cu turnurile grandioase, in forma de clopot, derivate din Europa Centrala, cu finisaje sculptate in forma de ceapa, sunt exemple ale formelor utilizate in interior si in exterior.
Intrarile in metroul din Paris (1900) de Hector Guimard
Arhitectul Hector Guimard Data Terminarii 1900 Functie Intrare metrou Locatie Paris
Dupa Londra, Paris a fost doar al doilea oras din lume care a construit un sistem feroviar subteran cand Hector Guimard a fost insarcinat sa proiecteze aceste intrari renumite in statia de metrou. Designul lui Hector Guimard a fost inspirat de scopul de a comemora si promova noua infrastructura cu un turn dramatic care sa iasa in evidenta in orizontul Parisului.
Intrarile prezinta forme organice rasucite in stil Art Nouveau, care par a fi practic fara sudura la prima vedere, dar sunt intr-adevar formate din mai multe componente din fonta care ar putea fi produse in serie in Osne-le-Val, la est de Paris.
Hector Guimard ascunsese efectiv un aspect al modernismului obiectului in spatele continuitatii sale serpentine, o metoda care caracterizeaza pozitia ambigua a Art Nouveau fata de perioada moderna. Designul lui Hector Guimard a fost, prin urmare, esential in introducerea designurilor in mod normal sofisticate, care necesita multa munca, ale Art Nouveau, unui public larg pentru care se credea ca stilul reprezinta un lux de nerealizat.
Casa Ernst-Ludwig (1901) de Joseph Maria Olbrich
Arhitectul Joseph Maria Olbrich Data finalizarii 1901 Functie Cladire studio Locatie Darmstadt, Germania
Acesta este punctul central al noii comunitati de artisti din Darmstadt, care a fost fondata in 1899 sub auspiciile Marelui Duce de Hesse. Olbrich, care a fost printre pictorii initiali ai comunitatii, a fost furat din Secesiunea Vienei de catre Duce. Ernst-Ludwig Haus, ca si arhitectura Secession, este foarte rectiliniu, cu o fatada alba stralucitoare, incununata de un acoperis inclinat usor si situata pe un deal.
Intrarea principala arcuita, pozitionata central, cu designul sau geometric placat cu aur, asemanator unui nor in jurul intrarii, care este flancata de cele doua statui masculine si feminine ale lui Ludwig Habisch care infatiseaza Forta si Frumusetea, contracareaza acest lucru.
Luminatoarele inclinate care se intind pe lungimea spatelui turnului dezvaluie rolul sau de una dintre putinele structuri Art Nouveau construite in principal pentru spatiul de studio si a fost punctul central al primei expozitii a grupului Darmstadt din 1901. In ciuda faptului ca Colonia a existat doar pana la debutul Primului Razboi Mondial in 1914, unitatea functioneaza acum ca un muzeu dedicat realizarilor sale artistice.
Modelul #342, Lampa Wisteria (1905) de Clara Driscoll
Data terminarii 1905 Mediu Sticla cu plumb si bronz Dimensiuni 70 cm x 45 cm Locatia actuala New York Historical Society
Louis Tiffany’s este renumit pentru lampile de masa in stil Art Nouveau. Abajurul din sticla cu plumb al lampii pare sa semene cu ramurile de glicine din partea superioara cand este aprins. Baza de bronz si nuanta lucreaza impreuna pentru a da un aspect natural. Ecranele din aproape 2.000 de bucati de sticla alese cu grija ofera o iluminare calda, dar blanda, dand florilor inflorite iluzia unor picaturi de apa turnate. Aceasta indica faptul ca lumina soarelui a trecut prin ecran.
Acest motiv, care incorporeaza un cadru de forma neregulata in partea de sus si de jos, imita realismul si japonismul, deoarece glicina este originara din partea de est a Americii de Nord, precum si din Japonia, China si Coreea.
Clara Driscoll l-a proiectat, conform dovezilor recent descoperite. De asemenea, marcheaza un eveniment decisiv pentru femeile designer la inceputul secolului, cand li s-a dat controlul asupra unei mari parti a productiei companiei. Driscoll a fost printre femeile cu cele mai mari venituri din perioada ei, castigand 10.000 de dolari pe an pana cand a fost fortata sa paraseasca studiourile Tiffany in 1909, cand s-a logodit si in cele din urma s-a casatorit.
Speranta, II (1908) de Gustav Klimt
Data terminarii 1908 Medie Ulei si foita de aur Dimensiuni 110 cm x 110 cm Locatia actuala Muzeul de Arta Moderna
Opera lui Gustav Klimt este marcata de deformarea formei si de infrumusetare, precum si de teme sexuale explicite. Gustav Klimt, spre deosebire de Beardsley, este remarcat pentru utilizarea extensiva a foii de aur, de obicei in combinatie cu un caleidoscop de alte culori vii, in special in lucrarile sale de dupa 1900.
Gustav Klimt si-a dezvoltat estetica unica si sofisticata ca o consecinta a acestui amestec.
Acest lucru poate fi rezumat ca o serie de picturi visatoare, delicioase din punct de vedere vizual (precum si din punct de vedere material) cu femei, care infatiseaza ocazional oameni reali, dar mai des afisand intruchipari preconizate sau metaforice, cum ar fi lucrarea sa de arta Hope, II .
Gustav Klimt si-a atins obiectivul de a produce o „noua arta” care sa fie libera de conventiile sau principiile existente prin folosirea unor forme corporale accentuate si aplatizate, precum si concentrarea asupra modelelor si a lipsei de profunzime.
Ca membri originali ai organizatiei, secesionistii precum Klimt au criticat idealurile picturii academice.
Opera lui Gustav Klimt a evocat un spectru larg de emotii in timpul vietii sale si continua sa o faca si acum, contribuind la statutul sau de unul dintre cei mai avansati pictori ai miscarii artistice si un pionier al modernismului.
Park Guell (1914) de Antoni Gaudi
Arhitectul Antoni Gaudi Data finalizarii 1914 Function Park Locatie Barcelona
Antoni Gaudi, cel mai cunoscut pentru munca sa la Biserica Expiatoria Sagrada Familia neterminata din Barcelona, a construit si alte zeci de structuri in metropola catalana. Proiectul final al lui Antoni Gaudi inainte de a se dedica in intregime Sagrada Familia a fost pregatirea unui cartier rezidential pe deal pentru antreprenorul din textile Eusebi Guell.
Indiferent de faptul ca numai resedinta lui Gaudi si o alta proprietate au fost construite si ca afacerea a fost un esec financiar, aceasta structura exemplifica abilitatile arhitecturale inovatoare ale lui Gaudi.
Stilul arhitectural al Parcului Guell se imbina perfect cu mediul inconjurator, cu coloane inclinate cioplite, care par sa fi fost sapate de pe versanti si acoperite cu vita de vie. Un spatiu de piata cu coloane sustine o piata deschisa, care este inconjurata de un scaun serpentin acoperit cu o combinatie de placi ceramice abandonate cunoscute sub numele de trencads , o caracteristica a artei catalane.
O scara grozava leaga piata de intrarea in parc, care are un bazin de gresie cu chip de dragon si steagul catalan. Poarta principala si apartamentul conciergelui sunt facute din cabane stancoase, cu turle conice neuniforme, care arata ca si cum ar fi fost facute din turta dulce.
Formele ondulate, influentate de arcurile catenare inversate si placile de faianta viu colorate reflecta etosul de colaborare al art nouveauului catalan, cuprinzand echipe de artizani specializati in mai multe medii si dependenti de managementul etic al materialelor sensibile pentru mediu.
Artisti Art Nouveau
Acum ne-am uitat la unele dintre cele mai faimoase exemple ale stilului Art Nouveau. Dar cine au fost artistii din spatele miscarii? Sa descoperim cativa dintre acesti pionieri in miscare.
Emile Galle (1846 – 1904)
Nationalitate franceza Anul nasterii 1846 Anul mortii 1904 Mediu Sticlarie
Impreuna cu Louis Majorelle, Emile Galle, un sticlator, a creat Ecole de Nancy, o organizatie angajata sa extinda aria Art Nouveau. El i-a instruit personal pe designeri si le-a furnizat acuarele cu modele florale pe care le-a creat in gradinile casei sale.
Galle si-a instruit designerii sa foloseasca doar flori si plante autentice ca modele, desi li s-a permis sa faca anumite alegeri creative in cele din urma.
„Este vital sa existe o inclinare marcata in favoarea modelelor imprumutate de la flora si animale, permitandu-le in acelasi timp exprimarea libera”, a scris el in 1889. Natura si literatura i-au influentat arta. In timpul sau liber, aduna si studia plante si insecte pentru inspiratie, dezvoltand procese experimentale de fabricare a sticlei pe care in cele din urma le-a inregistrat marca comerciala.
Multe dintre lucrarile sale aveau modele de flori si poezii scrise doar pentru proprietar.
Louis Comfort Tiffany (1848 – 1933)
Nationalitate americana Anul nasterii 1848 Anul mortii 1933 Mediu Pictura, productie de sticla
Louis Comfort Tiffany a fost fiul lui Charles Lewis Tiffany, un cunoscut bijutier. Desi a fost pregatit initial in pictura, a inceput sa se plimbe cu vitralii in 1875, iar trei ani mai tarziu, si-a deschis propria afacere de sticla.
Indemanarea lui cu sticla a devenit cunoscuta in alte tari.
Educatia , un vitraliu de la biblioteca Universitatii Yale, este cea mai cunoscuta lucrare a sa. A fost ridicata in onoarea uneia dintre fiicele sponsorilor lui Yale. Sculptura a fost luata din incinta in 1970 ca masura de precautie in cazul demonstratiilor. Drept urmare, a fost gresit si uitat mai tarziu.
Ani mai tarziu, cand articolul a fost etichetat gresit si o alta piesa Tiffany a disparut, probabil ca aceasta gafa a protejat piesa de jaf.
Education (1890), un vitraliu de Louis Comfort Tiffany si Tiffany Glass Co. (sfarsitul 1885-1892), situat in Linsly-Chittenden Hall de la Universitatea Yale. In centru, infatiseaza Stiinta (personificata prin Devotament, Munca, Adevar, Cercetare si Intuitie) si Religie (personificata prin Puritate, Credinta, Speranta, Evlavie si Inspiratie) in armonie, prezidata de personificarea centrala a „Lumina· Iubeste viata”. In stanga este Arta, la care participa Forma, Culoare si Imaginatie. In dreapta este Muzica, cu ritm, melodie, armonie, vers si voce. Perceptia si Analiza (ascunse in spatele stalpilor din stanga) leaga Arta si Stiinta, in timp ce un inger solitar, Legea, face legatura intre Religie si Muzica (ascuns in spatele stalpilor din dreapta); Domeniu Public, Link
Antoni Gaudi (1852 – 1926)
Nationalitate Catalana Anul nasterii 1852 Anul mortii 1926 Arhitectura medie
Antoni Gaudi a fost un arhitect de pionier, care a lucrat mai ales la Barcelona, unde a dominat stilul sau Art Nouveau. Cu linii fluide si suprafete stralucitoare care s-au abatut de la formele arhitecturale normale, opera sa a fost influentata de natura si de religia catolica.
Balcoanele Casei Mila infatiseaza abstractii de frunze si fire de iarba, in timp ce bancile din Parcul Guell ar trebui sa fie aliniate cu coloana vertebrala umana. Gaudi a fost identificat ca membru Art Nouveau de imaginatia sa, ceea ce l-a diferentiat de alte stiluri ale vremii.
La Sagrada Familia, cea mai renumita capodopera a sa, este in curs de dezvoltare din 1882 si se lucreaza in mod continuu astazi.
Gaudi a fost desemnat sa inceapa biserica in 1883, in ciuda faptului ca nu va supravietui pentru a o vedea terminata, o reflectare a religiei sale puternice. Biserica a fost construita in proportie de aproximativ 20% cand Gaudi a murit in 1926. Cand va fi terminata, structura va fi cea mai inalta bazilica din lume.
Victor Horta (1861 – 1947)
Nationalitate belgiana Anul nasterii 1861 Anul mortii 1947 Arhitectura medie
Victor Horta a fost membru fondator al Art Nouveau si este creditat pentru extinderea domeniului de aplicare al miscarii dincolo de artele vizuale si ornamentale pentru a include si constructia. Lucrarea lui Horta s-a remarcat prin intelegerea progreselor tehnologice atat in fier, cat si in sticla.
Structurile sale erau imbracate cu fier rasucit si indoit care curgea din exterior in interior.
Hotelul Tassel a fost prima structura Art Nouveau si una dintre cele mai cunoscute capodopere ale Horta. Aceasta casa a fost creata pentru unul dintre colegii sai de la Universite Libre de Bruxelles. Imbina perfect motivele naturale cu cele industriale, iar renumita sala a scarilor a cladirii poate fi vazuta din exterior.
Miscarea Art Nouveau a inceput in 1890 cu scopul de a actualiza designul si de a respinge formele clasice si istorice stabilite anterior. Caracteristicile naturale, cum ar fi florile si insectele, i-au inspirat pe pictorii Art Nouveau. Curbele, formele asimetrice si culorile vibrante au fost printre celelalte teme recurente ale miscarii. Pe langa arta ornamentala, pictura, arhitectura si chiar reclame, stilul Art Nouveau apare intr-o varietate de medii.
