Arta franceza – O scufundare profunda in arta si cultura Frantei

Arta franceza este foarte apreciata in intreaga lume. Arta in Franta este renumita inca din Evul Mediu, cand a fost responsabila pentru crearea unora dintre cele mai emblematice exemple de lucrari de arta romanica si gotica. Istoria artei franceze se intinde de-a lungul secolelor, cu exemple celebre care au aparut incepand cu anii 1400. Mai jos, vom descoperi mai multe despre cultura artistica franceza si vom afla ce face arta acestei tari atat de vitala pentru restul lumii!

Istoria artei franceze de-a lungul veacurilor

Istoria artei franceze poate fi urmarita pana la arta rupestra, cu picturi murale si sculpturi sculptate in relief gasite in multe dintre pesterile sale. Pestera Lascaux a fost redescoperita in 1940, in timpul ocupatiei naziste a Frantei. Pestera Chauvet , care dateaza din 30.000 i.Hr. si a fost redescoperita in 1994 de trei exploratori de pesteri, gazduieste cele mai vechi lucrari de arta rupestre franceze. Venus din Laussel este unul dintre cele mai vechi exemple ale unei sculpturi sculptate in relief din istoria artei si dateaza din aproximativ 25.000 i.Hr.

Renasterea artei franceze

In timp ce epoca Renasterii a inceput in Italia, miscarea sa extins rapid in Europa de Nord si de Vest, cu un accent puternic pe aplicarea matematicii in ceea ce priveste perspectiva si conceptul de umanism. Renasterea franceza a atins apogeul intre sfarsitul secolului al XV-lea si sfarsitul secolului urmator. Dezvoltarea sa poate fi impartita in mai multe faze, incepand cu lucrarile timpurii a caror estetica inca imbina aspectele gotice cu noile principii de design francez, cum ar fi cele realizate de pictorul Jean Fouquet, si progresand pana la ultimele expresii ale manierismului aproape de sfarsitul anului. al 16-lea secol.

Portretul, pe langa lucrarile religioase, a devenit un subiect din ce in ce mai proeminent in pictura renascentist franceza.

Lucrarile de arta franceze care capturau lideri militari si regalitatea ar fi putut fi zona de acest tip in care Franta a excelat cel mai bine. Regetatea Frantei, precum si amantele lor, erau subiecte pentru artisti, iar curtile regale puteau pretinde ca au ca membri pe unii dintre cei mai buni artisti ai vremii lor. Artistul de curte Jean Clouet, recunoscut pe scara larga pentru reprezentarile sale ale regelui Francois I, a fost cel mai bun maestru francez al Renasterii din acest gen.

Impactul artei italiene asupra Frantei

Regele Francois a fost un conducator progresist si intelectual care l-a invitat pe celebrul artist Leonardo da Vinci sa vina in Franta pentru a lucra. Da Vinci a acceptat oferta regelui si si-a petrecut ultimii ani ai vietii la Amboise, Valea Loarei, intr-un mic palat care a apartinut regelui. Da Vinci a adus cu el o serie de desene si picturi, dintre care majoritatea au ramas in Franta si sunt acum gazduite la Muzeul Luvru . 

Da Vinci si regele Francois au stabilit legaturi puternice si, desi el a murit inainte ca constructia sa inceapa serios, se crede ca celebra scara cu dublu elice a Chateau de Chambord a fost planificata de marele geniu renascentist.

Noile stiluri italiene au inceput in cele din urma sa aiba un impact asupra artei franceze. Artistii tarii au combinat aceste concepte straine cu propriile lor traditii locale pentru a produce un stil distinctiv renascentist francez, in special in constructii si arte decorative. Jean Fouquet a fost un artist proeminent din secolul al XV-lea care a fost considerat un maestru in iluminarea manuscriselor si pictura pe panouri, precum si a fost considerat inventatorul miniaturii portretelor. Este considerat a fi primul artist francez care a dobandit cunostinte de prima mana despre Renasterea timpurie a Italiei . Timpul petrecut in Italia l-a influentat atat de mult incat a inceput sa imbine flerul italian in propria sa lucrare, rezultand in dezvoltarea unui stil distinct unic pentru Fouquet.

Artisti importanti ai Renasterii franceze

Francois Clouet a fost fiul lui Jean Clouet si, dupa moartea tatalui sau, si-a asumat pozitia tatalui sau la curtea regelui Francisc I. Opera sa de arta este cunoscuta pentru detaliile sale meticuloase, dar abilitatile sale de colorat nu erau considerate la acelasi nivel cu desenele sale. Enguerrand Quarton a fost un pictor si iluminator francez. S-a nascut in nordul Frantei si a migrat in provincii, unde a lucrat alaturi de Barthelemy d’Eyck si Nicolas Froment. Germain Pilon a fost un sculptor francez renascentist care a crescut la Paris si a studiat sub tatal sau, Antione Pilon. 

Pilon a devenit specialist in bronz, marmura, teracota si lemn si a inceput sa creeze modele pentru aurarii parizieni in 1555.

Perioada rococo in cultura artistica franceza

In 1715, dupa moartea regelui Ludovic al XIV-lea, aristocratia franceza s-a intors la conacele pariziene de la curtea de la Versailles. Au evitat excesele stilului baroc al Palatului in favoarea decorului si a mobilierului mai elegant in resedinta lor. Tonurile pastelate si contururile netede rotunjite erau obisnuite, iar picturile reprezentau adesea scene de dragoste lipsite de griji, vederi naturale si intalniri romantice tinerete. In loc sa fie inconjurata de culori bogate si metale pretioase, nobilimea franceza locuia acum in apartamente mai intime, impodobite cu boiserie, podoabe din stuc si sticla oglinda. Acest nou stil s-a remarcat prin curbele frumoase, asimetrie si eleganta, precum si prin noile picturi fermecatoare de dragoste curteneasca si viata de zi cu zi care impodobeau peretii acestor locuri.

Artisti si lucrari rococo importanti

Artistul academiei Jean-Antoine Watteau a fost un sustinator influent al stilului rococo. S-a ridicat la proeminenta ca artist care a creat scene care infatiseaza personaje populare de teatru italian, dar este cel mai recunoscut ca creatorul stilului de pictura Fete Galante. 

Acestea erau de obicei mici picturi de cabinet cu scene romantice plasate in decoruri rurale luxuriante.

Grivet l-a clasat pe Francois Boucher alaturi de Watteau, afirmand ca „temele de senzualitate si placere” ale lui Boucher au fost ocazional colorate „cu un element de licentiozitate sau erotism”, si ca Boucher a fost cel care s-a impus ca maestru al nudurilor feminine. Lucrarile de arta rococo erau adesea comandate de patroni instariti, dintre care multi proveneau din familii aristocratice sau regale. De fapt, Progress of Love (1773) de Jean-Honore Fragonard a fost proiectat pentru spatiile private ale doamnei Du Barry, amanta regelui Ludovic al XV-lea. Cu toate acestea, picturile rococo nu au avut un atractie larg raspandita, in special in randul francezilor obisnuiti, dintre care multi pur si simplu se luptau sa se descurce.

Arta neoclasicismului in Franta

Pana la mijlocul secolului al XVIII-lea, intelectualii iluminismului pledau pentru o arta care reflecta mai bine nasterea unei noi ere si s-au inspirat din operele de arta din antichitatea romana. Descoperirile arheologice ale oraselor statiuni italiene Pompei si Herculaneum la mijlocul secolului pot fi urmarite pana la originile neoclasicismului francez. 

Au fost descoperite case magnifice inghetate in timp, prezentand picturi uimitoare realizate de artisti regionali.

Tehnica liniara si simpla a schitei, precum si zonele de culoare pictate cu grija, au prezentat un nou mod de a face arta unei generatii in crestere de pictori care doresc sa-si stabileasca numele in Academie si cu noi patroni. Jacques-Louis David a aparut ca o figura cheie in perioada tarzie a neoclasicismului francez. Cu toate acestea, arta neoclasica se baza pe sprijinul financiar al celor bogati, iar tranzitia catre picturi istorice mai mari a fost o incercare fatisa de a ridica neoclasicismul la nivelul de „arta cea mai inalta. Se crede pe scara larga ca arta rococo franceza a disparut de indata ce a aparut neoclasicismul; totusi, estetica rococo nu a disparut niciodata complet si a fost atat de populara incat pe tot parcursul celui de-al Doilea Imperiu, a fost considerat stilul national al Frantei.

Perioada Romantismului in Franta

Jean-Auguste-Dominique Ingres a fost artistul conservator preeminent in prima jumatate a secolului al XIX-lea. Fusese discipolul si urmasul lui David si, de asemenea, venera arta epica a antichitatii clasice. In cursurile sale, el s-a concentrat pe precizie si a urat dezordinea si improvizatia artistica. Este usor de inteles de ce multi artisti au admirat maiestria tehnica a lui Ingres si i-au respectat influenta chiar si atunci cand nu au fost de acord cu el. 

Cu toate acestea, nu este greu de inteles de ce contemporanii sai mai pasionati au considerat intolerabila o asemenea perfectiune slefuita.

Temele interne au coexistat cu reprezentarile calatoriilor in locatii exotice de-a lungul perioadei romantice. Cand a fost executat prin sub-genul romantic al orientalismului, accentul pus pe forma feminina nuda a aparut atat atragator, cat si interzis. Acest cult exotic explica dragostea pictorilor francezi pentru Orientul Indepartat, zona mediteraneana si Africa de Nord, asa cum se vede in minunatele lucrari orientaliste ale lui Eugene Delacroix , Jean-Leon Gerome si Jean Auguste Dominique Ingres. Orientalismul avea sa devina o componenta integranta a operei acestor artisti si a altora in perioada romantica.

Impresionismul in istoria artei franceze

In timp ce criticii si publicul au intarziat sa se incalzeasca in fata modernistilor – Manet a starnit indignare in 1865 cand si-a afisat capodopera, Olympia – Salon des Refuses a anuntat inceputul unei noi ere in istoria artei franceze, Parisul devenind rapid epicentrul de necontestat. a lumii artei. Odata cu slabirea strangerii de fier a standardului Academiei, pictura franceza a evoluat in moduri care au favorizat utilizarea culorilor vibrante si un accent pe subiectul zilnic. Pictura en plein air , libera de constrangerile studioului, a devenit standardul impresionistilor. Cu toate acestea, lucrari precum Impression: Sunrise (1872) de Claude Monet au primit critici usturatoare cand au aparut pentru prima data.

Multi oameni au crezut ca pictura parea incompleta din cauza pensulei libere.

Monet, un inovator in utilizarea luminii, culorii si dispozitiei, a creat lucrari mature, cum ar fi faimoasele sale panze din propriile sale gradini de la Giverny, care s-au apropiat de pura abstractizare. Lasand deoparte portretele formale si panzele mari ale Academiei, pictori precum Gustave Caillebotte si Pierre-Auguste Renoir s-au concentrat asupra vietii strazii pariziene, in timp ce Camille Pissarro a adoptat metodele naturaliste in imaginile sale despre viata taraneasca rurala. In lumea moderna timpurie a artei pariziene, pictorile au dobandit o mai mare recunoastere.

Eva Gonzales, Marie Bracquemond si Berthe Morisot au fost pictori impresionisti francezi cunoscuti pentru picturile lor cu scene interioare intime. Morisot a fost cu siguranta cea mai populara din acest grup si a ajuns sa devina una dintre cele mai importante persoane ale miscarii. Morisot a fost recunoscuta pentru tenacitatea ei si, de obicei, a explorat aceleasi subiecte ca si colegii ei de sex masculin. Dar si-a folosit sexul in avantajul ei, obtinand acces nerestrictionat la multe fatete ale vietii feminine, carora colegii ei de sex masculin le-au fost refuzate.

Arta postimpresionismului in Franta

Postimpresionismul a fost un raspuns la impresionism si este cel mai strans legat de Paul Gauguin, Paul Cezanne, Vincent van Gogh si Georges Seurat. In ciuda abordarilor lor disparate, postimpresionistii au respins in unanimitate fixarea impresionistilor de a reproduce iluminarea naturala si efectele de culoare in favoarea concentrarii asupra modelelor si formelor structurate de culoare. Postimpresionistii au simtit ca opera de arta nu trebuie sa fie o fereastra catre lumea reala si au fost printre primii artisti care au imbratisat abstractia. 

Cezanne, la randul sau, este considerat pe scara larga ca fiind printre cei mai influenti pictori in formarea artei moderne, in special printre cubisti si fauvi.

El a expus trei lucrari la expozitia impresionista din 1874, dar cu o serie de opere de arta cu natura moarta de la mijlocul pana la sfarsitul anilor 1870 si-a inceput experimentele acum celebre in care, in loc sa recreeze efectele de umbra si lumina, a inceput sa-si construiasca compozitiile prin gradatii de forma si culoare. Aceste opere de arta nu numai ca au celebrat viata muncitorilor rurali obisnuiti, dar au demonstrat si stilul lui Cezanne de a combina gradatii delicate de culoare pentru a crea aspectul tridimensionalitatii.

O abordare mai putin cercetata, mai pasionala si spontana a fost asociata si cu postimpresionismul. Paul Gauguin si Vincent Van Gogh sunt exemple remarcabile ale acestei componente a miscarii. Sanatatea mintala esuata a lui Van Gogh si sfarsitul tragic au devenit folclor; imaginea geniului artistic suferind a insuflat lucrarii lui van Gogh o rezonanta psihologica fara egal in istoria artei. Van Gogh era atat de instabil incat el si Gauguin s-au angajat in certuri violente, Gauguin fiind chiar amenintat cu un brici de catre van Gogh, plecand in cele din urma din Franta catre colonia Tahiti.

Art Nouveau francez

Art Nouveau este definit ca un stil ornamental de arta de design care a inflorit in Europa si Statele Unite intre 1890 si 1910, incluzand lucrari de arta, design interior, bijuterii, tipografie si design de afise. Stilul Art Nouveau a fost cunoscut sub multe nume in diferite natiuni, dar este creditat lui S. Bing, care a numit galeria sa din Paris L’Art Nouveau. Sustinatorii acestei miscari au incercat sa sintetizeze toate artele intr-un efort concertat de a produce arta bazata pe forme organice care ar putea fi produse in masa pentru un public mare. Forma plantelor impletite a fost adaptata la cerintele picturii, arhitecturii, sculpturii si artelor decorative in stilul Art Nouveau.

In Franta, Art Nouveau a absorbit liniile asimetrice favorizate de Toulouse-Lautrec si Gauguin, precum si entuziasmul mai larg pentru efectele modelelor ornamentale ale imprimeurilor ukiyo-e si japonismului.

Fauvismul francez

Fauvismul este una dintre cateva tendinte timpurii de arta moderna care a inceput ca un act de sfidare a regulilor existente. Initiat de oameni precum Andre Derain si Henri Matisse si, fauvismul a fost asociat in primul rand cu artistii franceziin primii ei ani. Lucrarile de arta fauviste se remarca prin utilizarea nuantelor vibrante, a pensulei texturate si a reprezentarilor non-naturaliste. Pictorii fauvisti isi au originea ca o extensie a pictorilor impresionisti produsi la inceputul secolului al XIX-lea in anumite aspecte. Spre deosebire de impresionisti, totusi, fauvistii au acordat o atentie deosebita transmiterii emotiei in lucrarile lor. Fauvistii pictau in mod regulat peisaje, portrete si nuduri, sporind nuantele lumii naturale. Criticii care au vazut initial picturile au folosit termenul „Fauves” pentru a caracteriza ceea ce au vazut ca paleta de culori rudimentara a pictorilor precum Derain si Matisse. Desi mentionati ca o insulta, fauvii au imbratisat complet numele cu mandrie.

Primitivismul francez

Multe tendinte ale artei franceze se vor suprapune si se vor schimba pana la inceputul secolului. Primitivismul a fost candva o tendinta care a salutat impactul civilizatiilor oceanice si africane mai degraba decat o miscare definita. Ca urmare, se poate aplica artistilor precum Gauguin, Fauves si, ulterior, cubisti. Termenul este destul de complicat in conversatiile de arta contemporana si multi il asociaza cu nuante imperiale peiorative. Cu toate acestea, este un stil caracterizat de un adevarat strain, Henri Rousseau, un pictor care nu a parasit niciodata Franta si ale carui opere de arta au fost denuntate deschis ca fiind „copilarele” de multi critici. In ciuda dispretului critic considerabil, el a stabilit o nisa distincta in modernismul francez. Rousseau era cel mai renumit pentru picturile sale colorate ale padurii, care erau pline de plante si animale salbatice. 

In afara stabilimentului, opera de arta a lui Rousseau a obtinut o primire entuziasta, iar el a fost imbratisat de o generatie mai tanara de scriitori si artisti de avangarda.

Cubismul francez

Cubismul a fost cea mai importanta dezvoltare a artei in primii ani ai secolului al XX-lea. A fost creat de doua persoane, Pablo Picasso din Spania si Georges Braque din Franta. Preluand influenta peisajelor cu mai multe fatete ale postimpresionistului Paul Cezanne , precum si a sculpturilor africane pe care le-au vazut in muzeele etnografice din Paris, Picasso si Braque s-au retras in studio si au perfectionat tehnica care a devenit cubismul analitic intre 1908 si 1910.

Ea denota un stil care imparte subiectul in suprafete unghiulare si cu mai multe straturi, aducand naturile moarte si portretele aproape de abstractizarea absoluta. Atat Braque, cat si Picasso s-au indepartat ulterior de abordarea multi-perspectiva in favoarea imaginilor aplatizate, care aproape au renuntat la referintele lor anterioare la spatiul tridimensional prin experimente de colaj care utilizeaza modele tiparite si tiparire de ziare. Cubismul sintetic a prezentat mai putine plane geometrice, o paleta mai mare si un subiect mai reprezentabil, precum si o gama larga de medii mixte.

Purismul francez

Purismul a fost o dezvoltare postbelica legata in primul rand de arhitectul elvetian-francez Le Corbusier si artistul francez Amedee Ozenfant. Puristii au sustinut ca majoritatea activitatilor artistice erau impletite cu conceptiile burgheze despre frumos si ca o miscare cu adevarat progresiva in arta s-ar baza pe simplitatea formei si standardizarea. A fost o politica menita sa fie atragatoare pentru generatiile viitoare care apreciau productia de masa si restabilirea ordinii clasice in constructii, arta si design. 

Artistii puristi, printre care Jacques Lipchitz si Fernand Leger, si-au propus sa confere obiectelor obisnuite un caracter atemporal pentru a le reduce la forme si forme adecvate din punct de vedere estetic care subliniau frumusetea de baza a lumii moderne.

Suprarealismul francez

Suprarealismul a fost o miscare anti-establishment care a subliniat aspectele ilogice si spontane ale artei. Breton a caracterizat suprarealismul in manifestul sau drept automatism psihic in forma sa cea mai pura, in care se incearca sa reprezinte – vocal, in scris sau in orice alt mod – adevaratul proces al gandirii. Suprarealismul a fost un gen de arta care a respins ratiunea si logica in favoarea anumitor practici ciudate, cum ar fi automatismul. Suprarealismul a fost o incercare de a patrunde in mintea umana inconstienta, care, conform teoriilor lui Sigmund Freud, era depozitul adevarului interior si nu putea fi accesibila decat prin visele cuiva. Suprarealismul este probabil cea mai cosmopolita perioada din istoria artei franceze si a influentat profund intreaga viziune asupra lumii a avangardei pariziene.

Arta franceza informala

Pana la incheierea celui de-al Doilea Razboi Mondial, scena artistica internationala se mutase de la Paris la New York. Cu toate acestea, pictorii francezi au adus contributii substantiale in domeniul artei de la mijlocul pana la sfarsitul secolului al XX-lea. Arta in Franta incepuse sa se indrepte catre propria sa versiune, mai putin puternica, a expresionismului abstract, numita Art Informal. Pana la mijlocul anilor 1950, aceasta transformare fusese finalizata, iar pictori precum Georges Mathieuwere si Pierre Soulages erau la mare cautare. Termenul Art Informel a fost creat de Michel Tapie, criticul de arta francez, care a spus ca este „mult mai rar” decat o miscare, inclusiv o colectie internationala de indivizi adevarati uniti in cererile lor de pace si compasiune. 

In timp ce Soulages a folosit o paleta de culori predominant intunecata pentru a produce picturi vaste cu stropi groase de culoare, Mathieu a dezvoltat un tip distinctiv de abstractie francez numit Abstractia lirica, care subliniaza culoarea si rapiditatea cu care vopseaua poate fi aplicata pe panza.

Art Deco francez

Indemnul de la inceputul secolului al XX-lea de a produce un design „modern” – articole adecvate unei societati industrializate in ritm rapid – a dus la dezvoltarea diferitelor expresii, toate acestea cazand sub umbrela Art Deco, dar nicaieri aceasta tendinta nu a aparut cu mai multa intensitate . unitate decat in ​​Franta. Stilul modern, asa cum a devenit cunoscut in Franta de-a lungul cresterii sale in anii 1910 si 1920, a atins punctul maxim in vara anului 1925, in timpul uimitoarei Expozitii Internationale de la Paris. Expresia simultana a modernismului si a precedentei istorice nationale, precum si unirea artei si a maiestriei, definesc Art Deco-ul francez.

Prima caracteristica demonstreaza nu doar adaptabilitatea unui obiect la viata moderna, ci si caracterul sau unic francez prin legatura sa cu trecutul. Cel de-al doilea prezinta nu doar abilitatea tehnica – fie ca este reprezentata de un produs artizanal sau realizat la masina – ci si viziunea estetica a artistului. Aceste doua caracteristici, prin definitie, au exclus fabricarea industriala. Deoarece productia limitata sau unica era mai scumpa decat productia de masa, Art Deco francez era in mod clar vizat catre o piata de elita. Astfel de clienti apreciau caracteristicile care le-au facut produsele la fel de rafinate, unice si valoroase ca orice capodopera dintr-o epoca trecuta. 

Cunoasterea a fost cruciala pentru Art Deco francez si poate fi considerata o a treia caracteristica a acestei tendinte.

Multe dintre esteticele propuse de artistii si sculptorii de avangarda au fost, de asemenea, acceptate pe scara larga de publicul larg in aceasta perioada, in special atunci cand sunt aplicate produselor de lux. Fauvismul si cubismul au fost influenti in modelarea dezvoltarii stilului Art Deco. Modelele si culorile conflictuale ale operelor de arta fauviste ale lui Andre Derain si Henri Matisse din 1905 pana in 1907 au influentat desenele de tapet si textile, precum si ornamentarea ceramicii pictate. Stilizarile geometrice si formele abstracte ale cubismului au fost adaptate formelor structurale si decoratiilor de suprafata de Georges Braque si Pablo Picasso in jurul anului 1907.

Arta Contemporana Franceza

In noul mileniu, artistii din Franta au creat lucrari care au explorat multe subiecte intr-o singura opera de arta, cum ar fi genul, identitatea, materialele neobisnuite, textul, performanta, conceptualismul si asa mai departe. Artisti precum Louise Bourgeois si Bettina Rheims creeaza lucrari care abordeaza problemele de gen si feminitate atat la nivel universal, cat si personal, in timp ce artisti precum Pierre Huyghe folosesc piese video si instalatii la scara larga pentru a face declaratii despre societatea mai larga in care locuieste si locul oamenilor in societatea respectiva. Motivul traditional al figurii sculpturale a fost, de asemenea, modernizat in progresele contemporane ale artei franceze.

Incepand cu secolul al XIX-lea, sculptorii francezi au contribuit la definirea modului in care ar trebui sa arate sculptura contemporana, de la formele masculine mai umanizate si reflectorizante ale lui Rodin pana la regandirea de catre Gaston Lachaise a formei feminine moderne. Este o mostenire care traieste in opera lui Xavier Veilhan si Niki de Saint Phalle, ale caror figuri sunt atat mai mari ca scara, cat si mai orientate intelectual decat predecesorii lor moderni timpurii. In plus, exista un spirit rebel de arta in randul artistilor francezi de astazi, ecou cu asumarea riscurilor primilor modernisti. 

Artisti de graffiti precum Blek le Rat, Jef Aerosol si JR si-au impins arta stradala in scena mai larga a artei contemporane, folosind adesea operele lor de arta pentru a face comentarii politice si sociale semnificative despre lumea din jurul lor.

Arta franceza in context global

Impresionismul, una dintre cele mai semnificative tendinte de arta din istorie, a inceput in Franta la sfarsitul secolului al XIX-lea. In ciuda opozitiei initiale, impresionismul a obtinut in cele din urma recunoasterea globala si a avut o influenta semnificativa asupra miscarilor artistice viitoare. Apoi a venit postimpresionismul, care a influentat noile generatii de artisti din intreaga lume. Cubismul a revolutionat modul in care artistii descriu subiectele prin descompunerea formelor in forme geometrice si perspective multiple. Aceasta miscare a contestat conceptiile consacrate despre reprezentare si a avut un impact semnificativ asupra dezvoltarii artei contemporane in intreaga lume.

Abaterea de la schemele de culori realiste ale fauvismului, precum si concentrarea sa pe emotii si intuitie, au pus bazele viitoarelor tendinte de arta si au influentat artistii din intreaga lume. Suprarealismul a studiat mintea inconstienta, influentand arta in intreaga lume, ramanand o forta artistica proeminenta timp de decenii. Arta franceza continua sa aiba un impact asupra artei in lumea moderna. Franta continua sa fie un centru pentru galerii, artisti si institutii moderne, incurajand originalitatea si inovatia intr-o varietate de medii de arta . De asemenea, artistii si curatorii francezi participa in mod regulat la targuri si expozitii internationale de arta, adaugand la discursul global continuu al lumii artei.

Dupa cum am descoperit astazi, arta franceza are o istorie lunga si bogata si a lasat o amprenta incredibil de semnificativa pe scena artistica globala de-a lungul secolelor. Istoria artei franceze este povestea inovatiei si a dezvoltarii unor concepte si miscari noi si unice. Multe dintre cele mai importante miscari de arta din ultimele secole au provenit din arta din Franta. Cultura de arta franceza a dat nastere a numerosi artisti celebri, sculptori, arhitecti si designeri care nu numai ca au deschis calea in propria lor tara, ci adesea in intreaga lume. De la epoca Renasterii in arta franceza, pana la cele mai contemporane si inovatoare stiluri, francezii au avut si un talent pentru a crea miscari care stabilesc standardul pentru restul lumii.